妻子瞒着我去参加漫展一共多少集 (妻子瞒着我去漫展第一集)

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• 妻子瞒着我去参加漫展一共多少集
• 动漫小常识
• 中国动漫与日本动漫的不同点

妻子瞒着我去参加漫展一共多少集

10集。

根据查询哔哩哔哩电视剧《妻子瞒着我去参加漫展》信息显示：《妻子瞒着我去参加漫展》是一部日本电视剧，由山本大辅执导，山本美月、山田裕贵、今井翼等演员出演，全剧共10集。

《妻子瞒着我去参加漫展》以漫画展为舞台，通过描绘主人公在丈夫去世后努力重新开始独立生活的过程，展现了现代女性在面对困境时的坚韧和勇气。

动漫小常识

cosplay是指？顾名思义，cosplay是英文costume play的简略写法，其动词为cos，而玩cosplay的人则一般被称为cosplayer。

从一般意义上来说的cosplay最早的中文译名是出自台湾，意思是指角色扮演。

但因为这种译法与游戏中的role play game(rpg)同为角色扮演之意，所以为免雷同，笔者更倾向于另一种译法--服饰装扮。

以现今的cosplay而言，其形式及内容一般是指利用服装、小饰品、道具以及化装来扮演acg(anime、comic、game)中的角色或是一些日本视觉系乐队以及电影中的某些人物，从这里可以看出在定位上cosplay包含了相当广阔的发挥空间，甚至可以说只要是有cosplayer在的地方，这一领域便绝对就是当今青少年流行文化的主流。

cosplay起源于？谈到cosplay最初的起源，现在大家一般比较认同的是将cosplay的发源地定位于日本，当然如果这是以现时代cosplay理念为基准的话确是可以如此而言。

但是如果从广义上来说，动画cosplay的真正发源地绝对是位于西半球的美国，甚至说如果真要探讨起cosplay原始形态的话，笔者可以毫不迟疑的告诉你cosplay最早的出现是在公元元年之前的数个世纪之中！因为不论是公元前1000年左右就已存在的希腊祭祀们的装扮，或是其后共同创作了两部伟大希腊史诗《伊利亚特》和《奥德赛》的那群活跃于公元前8世纪的伟大游吟诗人们，他（她）们实际上都是在扮演着别人的角色。

前者引变为后世的先知、先见，成功的cosplay了神之使徒的存在，而后者则如同是现今舞台话剧的鼻祖，出神入化的cosplay了那些可歌可泣英雄们的事迹。

事实上，cosplay所要包括和装扮的涵义不仅仅只是指一种外表上的形象化，更重要的是去cosplay人的内心。

嗯，言归正传。

接下来继续为大家谈一下cosplay真正的发源地--美国。

美国的cosplay是如可成形的?自从十七世纪，耶稣会教士阿塔纳斯珂雪（ athanasius kircher）发明了魔术幻灯之后，动画的出现便成为了一种必然。

在其后的一个世纪中欧洲开始流行起来这种魔术幻灯，直至19世纪三十年代末期沃尔特·迪斯尼那只万人迷的小老鼠出现后，美国的动画风格才有了一个明确肯定的定义，而史上真正的第一个以动画人物为扮演对象的cosplay也正是出于这一时期。

是的，毫无疑问伴随着那只可爱奇趣的米老鼠在美国本士以及全世界的风靡一时。

沃尔特·迪斯尼看准时机适时的在一九五五年创建了世界上首座迪斯尼乐园。

同时为了替产品自身作宣传及为更好的吸引游客，沃尔特·迪斯尼还特别请来员工穿上米老鼠服装以供游客玩赏或是拍照留念。

所以，可以说当初这群默默无闻的米老鼠装扮者才是现时代全世界cosplayer们的真正始祖。

并且由此也可以察知，cosplay最初成形的目的仍是出于一种商业上的形为而并非像现在这样是一种流行品位上的消费。

将美国或是更确切的一点说，将迪斯尼作为cosplay的真正发源地其实还有一个很重要的依据，那就是当时迪斯尼装扮者们身上所穿着cosplay服装的专业制作化。

虽然以现在的cosplay服装而言，有许多是装扮者们自己所缝制的。

但是作为一个cosplay的起源，拥有一个规范并且体系化的服装制作组织是必要的条件。

起初为当时那群在迪斯尼乐园中装扮成米老鼠、布鲁拖、古菲、唐老鸭以及其它迪斯尼人物制作cosplay服饰的是沃尔特·迪斯尼公司早先的道具部。

在乐园正式成立后不久，沃尔特·迪斯尼扩大了道具部的规模，除了要为影视作品制作道具外，还要负责所有在乐园工作所需的cosplay服装。

当然早期的这些所谓的cosplay服饰只是一个拥有固定外形的大纸袋，毫无美感可言，成品相对也较粗糙，装扮者穿上这种服饰后很容易发生呼吸不畅的现象。

但不论怎么说，相对于当时而言，此时迪斯尼的cosplay服饰制作已算是拥有了一定的规模日本才是现今真正意义上cosplay的缔造者吗？此时此刻的日本，因为1947年漫画之神手冢治虫根据酒井七马原作改编而成的红皮书漫画《新宝岛》的锋芒毕露，而在日本掀起一股新漫画的热潮。

由此造就了日本整个acg（anime、comic、game）市场的大繁荣，从而为在日本真正确立acg的地位打下了坚实的基础。

恰好正在此时，迪斯尼那种所为宣传而作的活动（cosplay）被传入日本，有acg界同好起而模仿，结果就蔚为风潮，成了日本现在acg界的常态活动。

日本最早的cosplay出现在昭和三十年这一时期（公元1955年），当时所谓的cosplay仅仅只是孩童们游戏间的一种装扮。

记的在那一年正好是《月光假面》与《少年杰特》在日本热赞播放的年份，因此有不少孩童在当时就是cosplay这两部作品的主人公。

虽说此时的cosplay纯粹是孩子间的玩意儿，但在服装方面还是颇为讲究，当然前提是要有钱。

当时的日本并没有专门的cosplay服饰店，孩子们如果想要拥有与动画中主人公相同服装的话就必须先请人画好设计图纸，然后再去百货公司请人缝制。

现今著名的游戏制作人广井王子小时候cosplay的服饰设计图，便是请离他家附近很近的一条艺*街上的那些艺*为他绘制的。

这种较为粗制的状况一直维持了将近二十年的时间，直至70年代未80年代初日本的acg经历了探索和成长期之后，作为acg附属文化的cosplay才渐渐得到了真正的发展，可以说现今对cosplay的理念就是完全继承于当时的日本。

然而在80年代，日本的cosplay虽然得到了在更高年龄层及更多群体上的发展，却仍然未有举办过真正意义上的纯cosplay活动。

此时的cosplay更多是依附于由acg所带来的另一个周边文化--同人社团（其作品被称为同人志）的身边。

同人志一词源于日本，原本指的是一群有着相同兴趣的人，共同创作自己的文艺著作，称为同人志。

也就是说，只要志同道合的朋友们，将各自发表的文艺著作集结成册，不由商业出版社出版发行，而是自己掏腰包印刷，在同好间流通，均可称为同人志。

由于当时日本动漫及电玩文化的盛行，许多好的当红作品在同好间大受欢迎,将商业作品加以改编，编制外传形式的漫画同人志便逐渐成为同人界的主流。

由此而及的便是同人社团大量的兴起，而为了招募社员以及在同人志即售会（第一界同人志即售会始于1975年12月，当时只是一个只有32个组织参加，入场人数六百多人的小型同人志即售会,但到了八十年代就成了一年二至三次的超大型同人志即售会）上推销自己的同人志，各社团的成员纷纷打扮成动漫画或电玩中的人物以吸引同好前来参观摊位，在日本这一现象被称为看版娘。

于是这股风潮如同爆炸了一般在同好间迅速引起了一阵潮流，加入cosplay行列的人数急速成长，到后来其人气度甚至与同人志即售会不相上下。

在经历了六、七十年代的幼稚，八十年代的初创之后，九十年代的cosplay伴随着日本acg业中game业的急速成熟（最典型的就是任天堂、世嘉以及索尼之间的次世代机种之争）以及视觉系乐团的层出不穷而开始步入正轨，成为一个极具规模的acg业界的附属文化。

在九十年代，日本acg业界成功举办了大量的动漫画展和游戏展，此时的日本漫画商和电玩公司为了宣传自身产品，在这些游戏展和漫画节中找来一些男男女女cosplay成acg中的角色以吸引参展人群。

这一招可以说是与当年沃尔特·迪斯尼开办迪斯尼乐园时如出一辙，由此可见cosplay的成形与发展的关键是建立在本身acg商业化的程度之上，可以说正是将cosplay作为一种商业上的促销手段，cosplay其本身才可能得到长足的发展与认识。

中国大陆、台湾以及香港地区的cosplay又是怎样？cosplay传入中国的时间较晚，台湾有据可查的第一场cosplay是在1995年8月27日，地点位于高雄的saga world一楼，但据闻当时的规模并不大，并且人物也多以电玩游戏中的人物为主。

在这之后的1996年10月13日，台北熊宝宝餐饮店由超级橙组举办了一场秋日聚会，虽然在会前广为宣传，知道的人也很多，但是规模依旧偏小。

这种情况一直沿续到1997年2月中旬，一连举办了三场活动，cosplay的人数才开始多了起来，并且也从此形成了台湾cosplay界的特色。

至此之后台湾cosplay的场次开始有年年增加的趋势，举办地点亦有由北部至中南部发展的现象出现，台湾cosplay活动的风行程度，可以由此看出一班。

而香港出现cosplay的时间似乎又早于台湾，据称最早在1993年香港便有了自己的cosplay。

当时的香港还没有什么同人志即售会，一般来说同人社团都是通过当时香港每年都会举办的艺术节场地来进行展览和销售，而正是在那一年（即1993年）一个名为四百尺的同人组织穿上了《银河英雄传说》中同盟军的制服出现于会场，就此他们这群人成为了香港最初的cosplay。

而在下一年的同一会场内他们又同样扮演了同盟军，不过这次他们还带了另外一组名“uvrz”的同人社团一起玩起了角色扮演。

那些uvrz的女成员穿上日式巫女装，用巫女棒为到场的参观人仕进行祈福。

95年的四百尺扮演了《机动》的角色，而uvrz在当年则开始扮演一些有名有姓的acg角色，比如《乱马1/2》中的右京或是《我的爱神》中的贝露丹迪。

从96年开始四百尺社团开始引退不再做任何的cosplay，但与此同时其余的同人社团则陆续开始玩起了服饰装扮，令香港cosplay界的人数一直高攀直上。

在这之后不久，香港的第一个同人志即售会由uvrz、 comic babies以及火狗工房联合开办（但也是唯一的一次,其后香港就再也没有过此类出演）,当然其间又一次扩大了cosplay在香港的影响力。

因为影响力的逐年扩增，香港的漫画协会开始在98年7月30日至8月3日举办了第一个真正属于漫画迷的动漫会展，当时的入场费为25港币。

据称这次会展中的cosplay是有史以来最火爆的一次，许多人扮演了八神、草剃等格斗游戏中的角色。

而那一次获得香港第一个cosplay比赛--fun fun 服饰扮装大赛冠军的是一位装扮成《圣传》中乾达婆王的女孩。

在这之后se株式会社、tg坊和香港美术用品专业中心在98年8月30日就旺角麦花臣室内运动场合办了第一次comic world。

并且首次在会场内划分出一块服饰装扮照相区以方便参展人人士拍照留念。

比较令人颇感意外的是在当时竟然已经有人开始cosplay起犬夜*了！？在随后的近几年里，大学社团间的展出也逐渐地开始显露头角成为香港cosplay界的又一活跃场地。

相比之下大陆出现cosplay较晚，直到1998年国内开办漫展才有了些零星自发的个人cosplay秀，而在此之前也没有一定规模的同人志即售会。

因此即是有cosplay，数量也极奇之稀少。

但缘于日本、台湾、香港三地cosplay的成熟，大陆的cosplay得以急速稳定的成长，且在2000年8月成功举办了中国大陆第一届cosplay大赛。

在其后的一年里华义公司又凭借助其在网络游戏上的巨大影响力，打着旗下主力产品《石器时代》的名号开办“2001年石器最佳cosplay大赛”。

与此同时由于上海、广州以及北京等地区在这几年里频繁的开办漫展及同人会展，而使现今大陆的cosplay也具有了一定程度上的规模。

cosplay最重要是什么？对cosplay而言，最重要的不是自己的像貌如何，而是取决于服饰的制作.一般来说得到cosplay服饰的方法有四种，分别是：别人送(汗)、去专卖店买、自己动手做或是叫裁缝铺量身定造。

1：别人送这个当然得要有人缘才行，平时在漫展或生活中认识的一些会cosplay的服友，等他（她）们不要cosplay服的时候你就可以问他或她要过来，不过相对来说这种机会是少之又少。

2：去专卖店买这一点在日本是很稀疏平常的事，比如在日本有offcial的cosplay服装卖，cospa就是一个很好例子，并且她们出的衣服都是官方认可的。

另外还有一些造cosplay服的店子，因为是私下造的所以不是offcial。

而在台湾地区基本上都是非官方认定的cosplay服饰店，但在以上这两个地区都有即省钱又方便的cosplay服二手店。

至于香港和大陆地区则连专门经营cosplay服的店都非常少见，一般都是需要定制的。

3：自己动手做其实cosplay最大的乐趣便是自己亲手制作服饰以及道具。

当然如果要自己作的话，首先必须要会裁缝，家中亦最好有一台缝纫机。

一般来说自己一个人从选料，设计直至制作完成需要一个月时间。

其间你除了要有技术和工具之外，精神上的集中力也是相当的必要。

一件衣服由最初的纸样直至完成，确实是件非常不简单的事呐。

但同样服装完成时自己所能感受的快感也是别人无法体及的。

4：裁缝铺量身定造去裁缝铺量身定造一般是香港和大陆cosplayer的做法。

这样的好处是，一个在价钱上比较便宜，另一方面也容易提出自己的要求。

在大陆一般来说裁缝铺是很好找的，但真正会作cosplay服的确是不多。

通常在大陆你交了定单之后，一至二个星期便可收取衣服。

如果此时对服饰有什么不满而提出异议的话，店主通常会当场为你改制。

其实作一件cosplay服真可谓是价格不菲，专卖店成品服的话通常要价近千。

自己动手裁制虽然花费较少，但如果视所cos角色服饰的复杂度而言有时也要将近六、七百元，并且还要付出相当大的心血与劳力。

有鉴于此在台湾地区cosplay被有些人称之为是劳命伤财的玩意儿。

但是对于广大的cosplayer来说，这一切都是值得的。

现今的cosplay又如何?经过长时间的发展与探究，如今的cosplay已经是变的相当完善，不仅可以扮人，而且更加可以扮漫画和游戏中任何的东西，例如动物、机械人，只要想得到又扮得到的就可以，没有任何限制。

不过，有时候扮机械人，走出每步路都会非常困难，亦有人扮过太空战舰，而且还要像战舰般在地上爬行，真是令人匪夷所思。

作为acg的附属文化，cosplay在当今社会已经越发的成为一种青少年文化娱乐的主流。

朋友过生日时的聚会，大大小小的动漫展又或者是情人间的化装舞会都可以用到cosplay来活跃气氛。

更主要的是在cosplay的同时，通过制作、学习他人的cosplay而可能会交到一些良师益友，并且在有益身心满足自身的同时，也能娱乐大众。

而在现今的日本，除了每年固定的东京春、秋两季电玩展以及各式的动漫展之外还有cosplay嘉年会，其会场内可说是集合了日本全国cosplay界的精英，提供了一个让他们大扮特扮的机会。

日本的cosplay迷除了年轻人外亦有小朋友参与其中，并且有些儿童更加是和家长一起装扮，实行一家大小齐齐cosplay，此外，在日本cosplay可还是一种职业噢。

日本当红歌手柏原崇与滕原纪香等娱乐圈人仕也是十分的酷爱cosplay，由此可见cosplay在日本的魅力有着何其巨大的影响力。

然而在尽情欢快的同时，为了减少不必要的麻烦，日本对于游客为cosplayer拍照是有限制的。

除了会场内专门设置的cosplay照相区之外，是不允许游客随意照相的。

以每年的东京电玩展为例，cosplay并没有所谓活动，只是在会场外的走廊上，会有很多的cosplayer来这里让大家照像，当然他们也会出现在会场中，不过原则上会场里是不能拍cosplayer的，也有些人可能会答应让你拍，但这就一定要到外面才可以拍照。

至于原因,其一是因为会场里是厂商的活动，所以要拍只能拍厂商的show girl，虽然厂商不见得会管，但是cosplayer自己也可能不喜欢这样没有秩序的行为，日本人本来就凡是都照规定来的，所以不是应该拍照的情况，他们会拒绝喔！其二是因为他们大多比较注重自己的身份，也希望你能尊重他们，所以当他们想好好参观的时候，可能并不希望一直有人找他们拍照。

至于其三，则是因为很多日本的cosplayer对自我的表现要求都很高，所以在会场内拍摄条件不好的情况下，他们不希望这样被拍照，如果要拍，宁可到外面可以拍照的地方，有充足的阳光，摆好满意的姿势，让你拍得美美的。

当然另外值的注意的是，要拍照一定要取得人家同意喔，偷拍是绝对不礼貌的行为！此外,作为日本的一种标志性文化--街道秀中也能看到cosplay一族的身影。

在神宫桥附近，是原宿驰名国际的街头另类秀--cosplay的大本营。

在这里的cosplay被简单的分为几个派系，宫廷娃娃系、明星视觉系、卡漫系、椎名护士服系、白脸系、自创系等。

星期六、日下午此地的人群最为集中。

其实这种展现自我的文化，最早是从原宿budeikku竹之子服装店开幕后，才渐渐被渲染开来，形成周末在步行者天国聚集的风气，所以当时这一群奇装异服的人曾被称为竹之子族，在八十年代这种风气曾达到最高潮，不过目前这个名词已经渐渐被淡忘了。

要如何才能参与cosplay？作为一种非官方性质的娱乐项目，不论是在日本、中国大陆或是台湾、香港等地区，基本上对其参与是没有任何限制的。

你只要拥有自己的cosplay服饰，便可以以社团或是个人的身份参加各类会展中的cosplay活动。

因为cosplay本身并不限定角色，所以一般在参展前，先要从各类acg杂志中挑选出自己所想扮演的角色，然后便开始收集有关此角色各式各样的情报与资料。

例如关于角色的服装、道具、形象特征等等都是需要调查的事情。

然后就可以准备服饰了，至于具体的操作方法在前面已有所述。

这样直到开展那天你便可以高高兴兴地跑去会场，参与到cosplay的演出中去了。

cosplay究竟为我们带来了什么?很难说cosplay到底为我们带来了什么，毕竟任何事物都有其两面性。

从圈外人士来看cosplay这项活动是一种既劳民伤财不经济又没意义的活动。

记的在台湾就曾经发生过一起因为媒体对cosplay的不了解而引发出一篇错误报道的真实事件。

那么对于那些cosplayer来说，他们究竟得到了些什么哪？其实就如同笔者在前文中所述的，真正的cosplay并非只是装扮其外在，更主要的是对心灵上的互换。

试想，在竞争如此激烈的都市社会中，每个人都会因为自己工作或学习上的不顺而承受着各式各样的压力与困惑。

如果在此时能够抛开这些，cos出另一个自己，那岂不是对自我精神压力上一种绝大的解放？将心情放松，通过角色的互相转换来舒解自己，所以说我们并不要将cosplay仅仅定位于或是局现于acg的角色之中。

每个人在社会中其实都有扮演着不同的，属于自己的角色，不是吗？本来嘛，每个现实生活中的人类，必定有自己的困恼所在，今天你是一穷二白的乞丐也好，腰缠万贯的大富豪也好，都有着自己的烦恼。

而所谓的acg人物在cosplay者所存在的现实世界（三次元）并没有所需要烦恼的，cosplay者借由cosplay成acg中人物，也可以得到心灵上的舒解、对现实的暂时逃避以及一种想法上的暂时改变。

纵使acg的祭典过去了，还是得面对现实，但那时候感受到的喜悦与逃避现实痛苦的轻松感却是可以让自己更加积极更有自信与期待。

什么是声优如果没有他们和她们的存在，这里仅仅只是光与影的穿插，动作与场景的更迭。

这一切只有在注入声音的演绎后，才能真正鲜活起来......我们的动画世界里最具杀伤力的群体——声优，让我们慢慢走进你......一．声优的含义及简“优”这个字,在日文中的意思大致是“演员”“表演者”追根溯源这个意思还是来自于中文,在我国古代就称梨园中的戏子为优伶。

声优，顾名思义,是用声音来表演的人,即我们日常所说的配音演员。

在日文中的发音是seiyuu,英语中称为CV（Charactor Voice）,也有称为cast的。

传统意义上的声优其活动范围在于外语片,动画以及电玩游戏的配音工作,基本上都是隐于幕后的。

而日本国内声优界目前正处于一股名为“偶像声优时代”的热潮之下。

其特征是许多年轻声优们通过进行大量配音以外的活动来扩充自己的演艺生命,使声优成为了演艺界的一种新形式偶像。

在日本,声优是有其所属的事务所的。

一般的配音工作,也大多由事务所接洽。

比较出名的有青二 PRODUCTION（林原惠、绿川光等所属）,81 PRODUCE（关俊彦所属）还有东京俳优生活协同组合（关智一所属）等。

当然,也有如横山智佐般的自由配音员。

声优的事务所不是一成不变的,也有“跳槽”的情况存在.声优们在进入事务所从事配音工作之前,必须先在声优养成所中学习。

学校的训练课程十分庞杂,可谓五花八门,除了学念剧本、练习肺活量和做变声练习之外,还有大声喊叫与狂笑练习,甚至还有竹剑的练习,用来训练声音的瞬间爆发力。

在学习期满后,由于大多数的声优养成所和事务所都有挂钩因此,毕业生就能进入事务所成为一名货真价实的声优了。

以上是关于声优的基本知识。

接下来,我们来看看声优的重要性。

对于一部成功的动画而言,或许侧重点有所不同,但必不可少的是剧情、画面及声效三大要素。

声效包括了音乐与配音，是近年作品中越来越受到重视的部分。

除了如《浪客剑心追忆篇》,《Cowboy Bebop》等在音乐方面的成功,甚至还出现了以声优为卖点的动画。

好的配音,对于整部动画而言具有画龙点睛的决定作用,人物性格的塑造,故事情节的展开,主题思想的表达,在很大程度上是由配音来完成的。

而决定配音优劣的,就是声优了。

就个人观点认为,日本动画之所以广受欢迎的一个重要原因在于其独特而有个性的人物角色。

然而,如果没有声优在幕后为这些生动鲜明的人物注入说话,欢笑,哭泣,愤怒等人性化的感情,赋予人物真实的生命力,那么,这些栩栩如生的动画人物,恐怕只能是由画家或计算机泡制出来的会活动的色块吧。

从这一点上说,声优对于一部动画而言是相当重要的存在,声优配音水平的高低,影片配音质量的优劣,直接影响了动画的观赏性与娱乐性。

二、日本声优发展历程及现状大多数的声优迷都是通过日本动画而接触到声优的,声优的发展与动画的发展有着密切的联系。

下面我们就从日本动画的发展入手，一窥声优的发展历程。

在许多分析文章中,都将日本动画的发展粗略分为四个阶段（也有六个阶段的分法）。

而专业动画声优的出现,大致是在第二阶段,从时间上来讲约是1970至1980年。

此时的作品,如我们熟悉的《宇宙战舰大和号》、《机动战士高达》,相对更早期的作品,剧情更加吸引人,也加入了一些音乐元素。

许多我们所熟悉的老牌声优,即在此时出现。

而在此之前,大约是在六十年代,日本国内曾经有过一股因外语片而兴起的声优热潮。

第三阶段,约1980至1995年,是动画音乐与声优产生质的飞跃的时期,82年的Macross为转折点,动画音乐逐渐成为制作的一大重点。

而宫崎骏先生一系列作品的问世，更是将动画音乐的制作逐渐带上了一个高峰。

就在该时期的中后期,约1987至1993年,动画声优们纷纷崛起，并逐渐从幕后走到幕前。

许多声优团体也依靠动画作品而组成,如乱马1/2的DoC,我的女神的Goddess Family Club等。

此时的日本动画业,形成了动画、音乐、声优三分天下之势。

由于声优们纷纷走到幕前，并且越来越多地受到Fans的欢迎,其涉及的范围也越来越广,从而使得声优成为了演艺界的一种新形式的偶像,正式宣告了“偶像声优时代”的到来。

稍对日本声优有所关心的朋友都知道,这个时期内,女性声优的人气度远比男声优要来得高,这与近年来美少女动画的大行其道不无关系。

因为动画的人气高，众多年轻的女性声优也受到了拥趸们的欢迎。

以92年的《美少女战士Sailor moon》为起点,到依托93年开始的OVA《我的女神》而成立的Goddess Family Club（井上喜久子、冬马由美、久川绫）,以及《偶像防卫队Hummingbird》中的五位偶像声优三石琴乃,天野由,玉川纱己子,草地章江,椎名へきる，偶像风潮愈演愈烈，声优们不但担任动画,外语片与电玩的配音工作，还有出唱,写真集,CD-ROM、散文集,主持电台节目,开演唱会，参加Fans Club聚会等。

此间的成功例子,包括登上Oricon大碟榜榜首的林原惠,登上东京武道馆开个唱的椎名へきる,以及98年登上电影屏幕的国府田マリ子等。

声优形象的偶像化,吸引了大量年轻人以成为声优为志愿,而各地的声优养成所或相关专业也如雨后春笋般出现。

日本声优界的美少女风潮已劲吹数年,而较少被注意的男性声优近来却渐渐积聚了人气,从近几期有关杂志的声优排名即可有所了解,尤其是以团体活动的男性声优团体,如已解散的E.M.U.（绿川光,置鲇龙太郎,神奈延年,石川英郎,阪口大助）,Weiss（子安武人,关智一,结城比,三木真一郎）等。

听闻近日绿川光与神奈延年又组成了一个新的组合“零·不死鸟”(在声优界，组团可是提高人气的有效手段哦）,这是否预示着在女性声优一统天下的热潮之后,将会到来一个男性声优风靡的时代？让我们拭目以待。

转自《声优X领域》

中国动漫与日本动漫的不同点

其实我们国家和日本的起跑线是一样的，如果大家看过50年代我们国家投拍的一部有代表性的动画片叫做《美猴王》的就知道了，而和《美猴王》同时代的日本动画片代表是《白蛇》，无论从画风和技巧上来看，我们都比日本的优秀！！！可是为什么从60年代之后，我们的差距却越拉越大了呢？当然，我个人观点是这不排除政治因素，在那文革动荡的岁月里，不可能有很优秀的动画片出现，（电影都没有，何况动画片，试想一下，我们现在在cctv-6里面看到的老电影有几部是文革的时候拍的，《小兵张嘎》，《闪闪的红星》之外就很少了），大部分都是50年代投拍的战争片！！！），而同时代的日本动画业又怎么样了呢？60年代的日本正好是经济发展的启动期，政治经济都在飞速发展，人民对物质文化的需要很强烈，就如我们80年代一样！！在这一历史背景下，日本的动画业飞速发展，出现了大批的动画高手，其中以手冢治虫为代表的高手，创立了独特的日本漫画风格！！并培养了一大批的动画从业者，今天我们看到的宫崎俊，高田薰等身上都能看到手冢的影子！！！可以不客气地说，60年代到80年代这20年是我们动画发展的停滞期，可想而知为什么我们现在的动画为什么有这么大的差距，这是没有办法的客观原因，如果只是这种因为政治的原因造成我们的落后，我们没有什么好抱怨的，毕竟动画只是精神生活方面的。

经济倒退20年我们都不再悲哀，而改革开放奋起直追！！！动画落后又有什么好抱怨，悲哀的呢？可是，果真只有政治原因么？答案未必！！！！想想当年80年代中期的时候，我们的有些动画厂出了一批像《黑猫警长》等既有故事性，又有趣味性，而且美术还相当不错的动画片，可以说是我们动画的复苏，可是以后90年代这十年出了什么呢？可以说-------没有！！！为什么？就如上面幻苍狼所说，我们的动画业者的定位有问题，为什么非的定位于5-10岁呢？我们已经成年也很爱看动画片么！！！看动画片并不代表幼稚。

并且日本美国的动画片定位，虽然也主要是孩子，但是也兼顾了成年人的欣赏水平，宫崎俊的吉比利工作室出产的动画片国内的孩子看过的有几个呢？大部分的观众都是我们这些成年人！！！而且中国其实并不缺乏动画制作者，可是由于没有合理而有效的把他们利用起来，而使他们流失到日本或美国在中国的动画部里去了，具体什么情况我也不太清楚，好像从一篇报道上说，深圳有一大批的我国优秀的青年漫画家在替日本公司画画！！他们画出的漫画冠以日本的名义再打到中国来！！！！可悲呀！！！！为什么不加以组织利用呢？为什么我们不能出现像日本吉比利这样的工作室呢？可能与经济环境与人的意识有关。

何其悲哀呀！！！！今年可称作漫画年，国内漫画重地上海、广州漫展不断，本年度最大的一次漫展，也是新卡通发展15年来首次举办的大型漫展《中日青少年漫画交流展》即将于国庆期间(10．1—10．7)在北京首都图书馆开展。

日本漫画在亚洲乃至世界享有盛誉，已形成巨大且成熟的产业链机制，每年给日本创造的巨大利润使其成为日本的主流产业。

但被称作日本漫画最大消费地的中国读者读到的大部分日本漫画亦属盗版，中国读者在盗版中认识并喜爱着日本漫画，而中国的原创漫画却在产业机制和盗版挤压的双重夹缝中艰难的前行，因创作资源、市场潜力和受众资源的巨大，令作者、商家谁也不想放弃，因此中国漫画产业化进程成为漫画人和漫画读者最关心的话题。

为此记者采访到本次展览主要策划人漫画作者凉。

张：日本漫画在世界上都是很有名的，实际发展如何?凉：日本的漫画市场很大，形成也很早，他们第一批漫画读者到现在已六七十岁了。

这种阅读趣味一直保留，是一种全民看漫画的形势，日本漫画家是全日本纳税人中收入最高的，在日本被通常认为最有钱的知名流行歌手还排在漫画家之后。

张：为什么会这样?凉：这是因为日本漫画业完全产业化了，有很成熟的产业链和商业市场。

在日本，一套新漫画创作出来，会先在杂志连载，反响好立刻会发行单本，之后会改编动画片，在收视不错的情景下，连带起周边产品如漫画人像贴片、电话卡、杯子、玩具等。

紧接着，就会有广告来用这些漫画人物形象，不仅如此，在下一部新漫画还没出来时，这一部漫画还会做成OVA(原创漫画家影片或光碟)和DRAMA—CD(剧场CD)来补充这时期的市场空缺，这两种后续产品因相对较低的成本和便捷的形式也会有很好的市场。

此外，还会有电子游戏版，动画影片，而上面这一系列的收入将分摊进入产业链。

张：依你看，国内漫画与日本漫画的差距在哪儿?凉：最大的差距不在于技术，而在于国内的漫画没有产业化、市场化，没有一个合理的产业链，使市场运营相当艰难。

比如国内漫画杂志中很多没有直接的运营权，一套好漫画如果出单行本就涉及书号，一套卡通本有时甚至要几个书号；出动画片的报批又是跨行业的，因利润的走向不一，使报批极为复杂和漫长，这又是作为卡通漫画这个产品特质不能承受的，更不要说制作动画影片，OVA和DRAMA—CD了。

这种机制下，国内漫画杂志社被很大程度地局限住了。

张：事实上，漫画家制造出来的偶像明星比真实的明星还具有更稳定的商业回报，比如明星包装出来，还有可能因“隐退”、“毁约”、“变故”等危险使回收利润不能完全保证，而漫画形象会永远忠于作者和承销商家，而且每一个漫画家都可能制造多个偶像，比如日本最畅销的漫画里的F4。

凉：对呀!像日本知名漫画家鸟山明的《七龙珠》、富义博的《幽游白书》和武内直子的《美少女战士》，不仅作品靠成熟的市场化运作衍生出巨大商业利润，而且作者也成为全日本最富有的人之一。

张：但有人反映，日本还有很多不良漫画正给国内青少年读者带来很多负面影响?凉：这种现象出现，完全是唯利是图、不负责的盗版书商造成的。

在日本，漫画有严格的限制级，按年龄、性别取向分类，划分很细，还分12岁以下、18岁至20岁、成人等阅读限制，在书店里必须在不同区域摆放，有专人监督。

因为日本漫画不是像国内漫画，题材还限制在讽刺、幽默或一些浅显的儿童故事，他们的漫画创作涉及到很深刻的主题，比如这次随展来访的日本有名的漫画家里中满智子的作品就是根据名著《红与黑》改编。

国内盗版商不但不管限制级别，还专门将一些不适合儿童的读物以儿童读物面目出版，这对中国青少年的成长是很不负责任的。

张：你能从技术上评价一下中日漫画作者的差距吗?凉：从最高水准上看，日本漫画的技术不是遥不可及的。

国内有很多很棒的漫画作者，比如《北京卡通》的姚非拉原来在武大学计算机，现在很多漫画读者把他当偶像，那情景和一些歌星fans(歌迷)的感觉差不多。

张：但这些作者队伍的整体是不是还不成型，为什么这样?凉：其实队型还是有的，阵容也不小，由于产业化程度太低，使做这一行的人要先有很多选择，比如当漫画作者一个月只能有3000元收入，去一个好的广告公司就会是8000—元的收入；在人才竞争上，目前能留下来的，是一群凭着激情来做的，他们有很多无偿的投入，比如一种爱国热情，不愿中国市场只有日本漫画存在。

事实上，国内原创漫画市场发展到今天，几乎是由于这些人存在。

但激情不能当饭吃。

张：这次《中日青少年漫画交流展》据说有1100幅日本漫画、600幅中国漫画，还安排了flash动画电影欣赏、漫画人物模仿秀剧场、中日漫画大师签名、漫画评奖、社团交流、漫画讲座等多项活动，对国内卡通漫画的推进会有很大的影响吧?凉：这次《中日青少年漫画交流展》可能对北方漫画的直接影响更大，几届延续下来才会对国内漫画最火的上海、广州等城市影响更大。

现在看上海漫画产业化进程较快，他们的《卡通王》杂志已有了独立运营权。

这次展览可以说是试图激活北京一直沉寂的漫画市场，因为这样大型的展览就像一个行业的标志物，会带进很多商业投入。

虽然在最初的投入中会“死伤无数”，但是对漫画产业化推进肯定有好处。

因为北京是政治、文化中心，因此应该是漫画产业推进巨变的惟一出发城市。

张：希望是个好结果。

大家对中日动画差距的评价有多种多样，人才，技术，资金。

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等等。

不一而足。

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其实中日的动画，我觉得根本就没有什么可比性。

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新中国建立50年了。

能放到台面上的动画有几个？一个《黒猫警长》一个《葫芦娃》再加一个《大闹天宫》这个就已经是我们动画事业的全部代表了。

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你们觉得以这几部动画（而且还都是10几年前的作品），我们就能说我们也有自己的动画?我们的动画也不比日本的差。

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甚至要比他们好了？？？那不是在说笑嘛？？？如果真的要找差距，希望以此来有所觉悟，以至于有所发展的话，我觉得日本动画比中国好的原因很简单：他们是把动画真正当作一个事业，一个产业来做的！而中国对待动画的态度还只是一个教育幼儿的工具！就是那么简单！如果不从观念上扭转过来，即使将来经济再发达，作出的动画依然还是现在的这个水平，最多画的精细一点而已！打个比方，这个就好像，你向一个贫困农村放救济款，没有致富观念的农民，就是开个大会，大家把钱都分了;而有经济头脑的村民会大家一起讨论，如果利用这笔钱来赚取更多的钱，直至走上小康。

这里面就是一个观念的问题。

事实上，在目前的中国，还是处于那个农民分救济款的阶段。

没有人，（也许有）打算把动画当作一个事业来作。

看看前不久的中央台的那个什么计划千集动画。

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fanit...根本就是在浪费钱和精力胡搞嘛！！！事实上，我们还依然没有看到我们的主流的社会中（当局者）有什么改变的趋向。

诚如中央台哪些没完没了的大头大眼目光呆滞的动画片！所以中国的动画最大问题，不是资金，（钱少也可以拍出高质量的动画），也不是人才（中国有很多优秀的动画人才），而是一个的观念。

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我们的当局者，对动画的态度问题，直接制约着动画的发展。

这个反映在动画的制作思路，以及与之直接相关的动画剧本写作上。

如果主流的当局无法有所改变，那么真正想作一些真正动画的中国人也是无从着手的。

（听说前不久北京的首届独立映像节上，有部一个深圳人作的10分钟的动画《TALK》 获得了一等奖。

据说那个动画是真正反应目前中国的动画发展水平）如果我们的所有的动画都是本着教育人为根本出发点的时候，这个动画在开始就已经毁了。

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而这个恰恰是我们的当局者所最愿意干的事情。

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所谓的“思想把关”！在这里，我想谈谈我所看到的宫崎峻的最新片《千寻》的制作花絮的观后感。

撇开吉卜力他们一丝不苟的严谨工作作风不谈，里面宫崎峻的一句话给我影响很深：他说，我作这个片子，就是为了那些即将10岁，或者现在是10岁，或者已经10岁的人看的。

希望大家都能想起那个时候（大意如此）。

他的动画是要教育孩子要好好学习，天天向上吗？ 不是。

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他的动画更多的是一种回忆，一种叙述。

一种对美好，纯真时光的描写。

好的动画，感动人是在不经意间的。

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那么在这样的感动中，大家也能学到什么是真正我们需要的。

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最后，我想说一个很早很早以前看到的，我所唯一喜欢的国产动画：《小蝌蚪找妈妈》。

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浓浓的中国特色的水墨小动画。

很短，但是很有意境。

中国人自己的特色！～比起现在的国产动画要好上百倍！我再想如果当时我们能坚持这种中国山水似的动画风格。

好好发展，是不是就拥有有具有中国独特风格的动画那？试想，如果三国演义，这样的题材，用这样的风格演绎出来，是不是更有味道那？！也许这个只是假设，我们看到的更多的国产动画，更多的是伪日似风格。

什么都不是。

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据日本有关方面公布的调查数据显示，2004年，日本国内电影院上映的动漫片约为81部，日本的电视台每周播放动漫节目80多集，一年播放的动漫作品节目接近4000集。

在日本所有的出版物中，漫画读物就占了40%，平均每天有25本漫画单行本问世。

据日本经济产业省统计，2002年日本动画片在美国的销售额达43.6亿美元，是美国进口的日本钢铁产品价值的三倍多。

而去年，中国的动漫产业总收入也不过100亿元人民币�其中相当一部分是外商支付的加工费。

根据中国国家广电总局要求，国产动画片在电视台的播出应当占动画片播出总量的60%，实际上，2004年，我国国内动画片生产总量只有2.9万分钟，市场需却在26.8万分钟，电视台动画片资源严重不足；2005年是动画产业进一步发展的春天，但仅有的几个动画频道几乎都出现了片荒，一部动画片被翻来复去地播放，预示着中国动画尚不能自给自足。

众所周知，中日动漫的差距是十分明显的，具体有多明显我就不说了，说出来徒增伤悲。

但是中日动漫为什么会有如此之差距呢？这是一个非常值得讨论的问题。

有人认为中日动漫差距是由于中国漫画起步晚造成的，诚然，中国的漫画的确在进入商业化上要比日本晚很多，但这并不是问题之所在，中国的足球起步很早吧，中国的乒乓球起步不早吧；还有人认为中日动漫差距是因为中国漫画家的画工问题，这也不是问题的所在——《三毛流浪记》的画风决不是像日本的卡通漫画那样，但是它确是经典的漫画。

我个人认为，中日动漫差距是由于中国的漫画家对动漫的认识和态度的问题，一直以来卡通漫画的阅读对象都认为是4—8岁的儿童，因此看看我们市面上所有的中国卡通吧：《蓝猫淘气3000问》、《怪城》、《大头儿子小头爸爸》、《熊猫京京》、《封神榜》、《灰豆儿》（大概是这个名字吧）还有一些我实在是懒得记住它们的名字了，这些无疑例外的把观众范围定在4—8岁上！更说明问题的是在《新世纪福音战士》的引进上，对于这件事我本不想提的，但是不得不提！这是中国引进的外国漫画的最大的败笔！不仅配音的人物语气、性格与原作格格不入，而且对原作的台词、剧情枉加改编，一切的一切都是因为那些人只把EVA定为只面向青少年的卡通。

因此原作中对生活，对自我存在，对人际之间的那些深刻的思考避而不谈，只把EVA中的战斗一格不少的放了出来。

再看看国人漫画家颜开画的《雪椰》这可以说是中国漫画的成功的代表作了，虽然有人认为颜开的画风极像日本的漫画，没有中国的特色，但是我要问，什么才是中国自己的特色？特色这玩意这是个很抽象的东西，甚至是很不实际的东西。

为了“与别人不一样而不一样”和“因为不一样而受人喜欢”是不同的，现在的中国漫画的爱好者除了孩子还有什么，而现在中国的动漫作家还为了他国的孩子喜欢而沾沾自喜，惭愧啊。

另外一个影响中国动漫的则是中国动漫制作者对动漫制作的态度问题了。

中国的漫画倒还算不错，但中国动画制作上就十分的明显了。

中国现在的动画还存在着远近的大小比例不一致（如《蓝猫淘气3000问》），颜色前后不一致甚至溢出边框（如《灰豆儿》）等低级的错误，这些问题只要在监制过程中很容易就能发现。

当我第一次看我国和加拿大合作的《鸭子侦探》，虽然从画风上一眼就能认出是中国作品（前面说到的中国特色颇有收效），但在整部影片中却没有一处类似的毛病，甚至我敢说那是一部很好的动画，于是我怀疑它是否是国产动画，但监制中的外国人名似乎可以给我一个答案。

没有国外朋友的监督的话，那么《宝莲灯》的成功说明了什么？中国是可以出好游戏的，但是就是要看制作者的工作态度。

再说说日本的动漫，详细的介绍就免了，大家知道的可能比我还多。

我要说的是日本人对动漫的认识和态度。

日本的动画有专门的声优——我们也有，但是寥寥无几；日本有专业制作动漫的工作室——我们也有，但规模、人员上都不如日本（经费问题很严重）；日本的漫画家有很多，而且许多孩子也都志愿做一名漫画家、日本有完整的动漫运作体系——我们也……。

总的来说，中国与日本的动漫差距是显而易见的，抛开这个那个的外界原因，中日动漫的差距就是对动漫认识、态度上的差距，想想我们现在还在为看动漫会不会影响学习而争论，又怎么能让我们的动漫有所发展呢？